La venganza es un plato que se sirve de entrada, en el primero de los dos comienzos de la ópera prima de Anna Odell. La reunión recién empieza y su protagonista alza una copa, la hace tintinear, y ¿qué tal si la chica más maltratada del secundario se lanzara a cantarles las cuarenta a sus ex compañeritos en plena fiesta por los veinte años deegresados? Pero cuando creemos estar en territorio conocido, Odell –una exitosa artista cuya performance más famosa, un intento de suicidio simulado en Estocolmo, le valió una internación psiquiátrica– da el volantazo y nos lleva hacia un terreno más complejo y experimental, un psicodrama nutrido de sugestivos elementos autobiográficos, un paseo por la frontera entre realidad y representación; y una suerte de reflexión sobre el bullying, la jerarquía y el poder en grupos sociales, la culpa colectiva, la presunta inimputabilidad de la adolescencia y sus infinitas crueldades; y la primera juventud como esa zona de nuestras vidas capaz de moldearnos o deformarnos sin retorno.
Alguien cancela las deudas de Gabriel Chevalier (el rubio de Elefante Blanco) un ex policía en las malas. El benefactor también le brindará una oportunidad única: trabajar para unos invisibles, omnipresentes, inescrutables empleadores. Su trabajo es sencillo: transportar una misteriosa carga, depositándola en manos del destinatario de turno, en diferentes puntos geográficos. Pero las preguntas se empiezan a sumar: ¿para quién trabaja? ¿Quiénes son los destinatarios? ¿Por qué hay tanto dinero en juego? ¿Qué transporta? Y, lo más importante: ¿cómo salir indemnes, él y sus seres queridos, de uno de los trabajos más peligrosos que se puedan imaginar? El horror, quizás sea la respuesta más descarnada para varias de esas incógnitas. Con una ágil narración, Jean-Baptiste Andrea teje un thriller de creciente suspenso, cuyo desenlace incluye uno de los más siniestros MacGuffins de los últimos tiempos.
La historia es muy simple, de esas que hacen a las grandes películas de acción. Una joven aparece muerta y su abuelo multimillonario le pone precio a la cabeza de Kiyomaru, el presunto asesino: mil millones de yenes para quien lo mate. Esto lo convierte en el hombre más buscado de Japón, por lo que decide entregarse a la policía. Son ellos los encargados de transportar esa bomba de tiempo humana hacia donde será juzgado: mil doscientos kilómetros repletos de obstáculos, asesinos que se esconden en cualquier rincón, bajo las apariencias más inocentes y que atacarán por tierra o por aire. Puro divertimento, un poco de crítica social y más explosiones y asesinatos, filmados y coreografiados con maestría como no estamos acostumbrados a ver en pantalla grande fuera de los festivales.
París, Francia. En la Gare du Nord todo puede pasar, incluso trenes. Uno quisiera quedarse, pero hay prisa... Así como otras miles de vidas se cruzan allí cotidianamente, se cruzarán Ismaël, Mathilde, Sacha y Joan. Cada día, Ismaël se siente obnubilado, fascinado, agotado por ese lugar. En un andén, ve a Mathilde por primera vez. Poco a poco, se enamoran. Se cruzan con Sacha y Joan. Sacha está buscando a su hija desaparecida; Joan pasa su vida subiendo y bajando de trenes, en movimiento perpetuo entre Lille, Londres y París. La estación es como una burbujaque todos atraviesan: franceses, inmigrantes, emigrantes, viajeros, fantasmas... Es un cruce de caminos donde cada vida pasa rápido y desaparece.
Después de más de dos años de investigar los 70 kilómetros que recorren la autopista de circunvalación de la ciudad de Roma (GRA), Gianfranco Rosi pone la observación al servicio del cine y retrata de manera curiosa, sensible y con gran sentido del humor a una serie de personajes, todos muy particulares que habitan en la zona.
Los variopintos protagonistas que presenta la película, ganadora del León de Oro en el último Festival de Venecia, son, entre otros: un paramédico que trabaja con su ambulancia en emergencias, un pescador de anguilas, un científico que cataloga los insectos de las palmeras del predio y una simpatiquísima y divertida dupla de padre e hija, quienes viven en un departamento de muy pocos metros cuadrados y mantienen curiosas y elevadas conversaciones. Es posible pensar que la circularidad que presenta la película y que rodea a los personajes funciona también como metáfora de una Italia encerrada, en la que, a pesar de las transformaciones, da la sensación de que siempre se vuelve al mismo lugar.
A un grupo de trabajadores desesperados se le ocurre la descabellada idea de donar esperma para salvar su fábrica de autos de la bancarrota y, en consecuencia, de que se privatice. La historia oficial es que unos inversores franceses van a tomar la planta y la convertirán en una fábrica de caracoles enlatados. Pero la dura verdad es que el plan consiste en vender las enormes máquinas por una gran cantidad de dinero y desaparecer. Lo que sigue es una desopilante cruzada que termina no dejando lugar para los sueños. Lo cual es irónico porque, a comienzos de los noventa y habiendo salido recién del régimen comunista, los rumanos pensaban que todo era posible. Esta comedia agridulce con varios puntos en común con The Full Monty está basada en una historia real de aquella era, en el momento exacto en que el Rey del Pop visitó Rumania, hizo un show descomunal y no volvió más, lo cual implica la ausencia de un Sueño Americano viable para respaldar la fe de aquellos que intentaban triunfar en esos años.
La Gran Bretaña de Thatcher también tuvo serias secuelas sociales a causa de la Guerra de Malvinas. Tras la muerte de su padre, Shaun, un preadolescente en busca de su rumbo, termina entrando en la incipiente escena skinhead de un pueblito inglés, en un 1983 que significará el fin de la inocencia. Un tenso e intenso drama social, del cual se desprendieron dos miniseries televisivas, con una tercera en camino, dirigidas por el ropio Meadows, una de las voces más interesantes de la escena británica actual.
Nick Cave ya era guionista de cine: tres películas dirigidas por su compatriota australiano John Hillcoat. Y ya era actor. Y ya era músico. Ahora junta todos esos roles bajo la dirección de los artistas visuales británicos Iain Forsyth & Jane Pollard, quienes con 20,000 Days on Earth no sólo debutan en el largometraje, sino que le dan una nueva y radiante dimensión personal a la muchas veces adocenada idea de “retrato de estrella de rock consagrada”. Esta película va mucho más allá: hay canciones clásicas de Cave, hay performances en estudio, hay música en vivo. Pero también hay una historia de vida, guiada por Cave tanto desde su lugar de guionista como de protagonista: una entrevista/terapia que es otra performance, confesiones, cercanía, fantasmas.
Todo esto (y más) se exhibe mediante una puesta en escena que puede pasar de la calma al movimiento en pocos pasos. Director, directora y Cave presentan no solamente una notable batería de recursos, sino que consiguen uno de esos escasos ejemplos logrados de film cabalmente caleidoscópico.
En esta obra maestra, Thom Andersen revuelve el pasado del cine y expone detalladamente una historia pública de Los Angeles a través de las películas ambientadas en esa ciudad: las casas modernistas, las calles, las estaciones de servicio, los restaurantes con servicios para automóviles, los supermercados y los policías. En cualquier película de Hollywood hay elementos que confirman la tesis principal de Andersen: que el documental y la ficción se entremezclan en las películas rodadas en cualquier locación, y que las películas son documentos históricos mejorados por el respeto a la realidad. Andersen da vida a sus ideas usando todos los géneros imaginables, revelando cómo operan las películas en cuanto receptáculos ideológicos. Cada desvío de la realidad es un indicio de preocupaciones sociales y políticas más amplias. Rabiosamente entretenida y políticamente profunda, Los Angeles Plays Itself puede cambiar la manera de mirar la tenue y bruñida luz de la pantalla de cine.
Who Took Johnny comienza con un dato –hay noventa mil casos de chicos desaparecidos en EEUU– y una entrevista, a unos padres que una tarde perdieron a sus dos hijos para no volverlos a ver. Y continúa guiado por Noreen Gosch, la incansable madre de Johnny Gosch, desaparecido una mañana de 1982 mientras repartía el diario. Johnny fue, además, el primero de los missing childrenen salir publicado en un cartón de leche, gracias a la incansable lucha de su madre y a la solidaridad de los vecinos que intentaban contrarrestar la inacción de la policía local.
Así, parece armarse un poco un documental de denuncia, otro de conciencia y otro sobre la tragedia que tienen que vivir los padres (“todos los días hay que hacer un plan para seguir viviendo”). Pero la aparición de un billete firmado que reza “Estoy vivo”, el testimonio de un colaborador en el secuestro, la trama macabra de una red de pedofilia y locaciones propias de un episodio de True Detective hacen que Who Took Johnny, además de todas las posibilidades del documental que es, sea también un apasionante policial.
En el cumpleaños de Hitler, los alemanes deciden organizar un partido de fútbol entre los prisioneros de guerra y los alemanes. Se asigna la tarea de organizar el equipo a un jugador de fútbol conocido que exige que a su equipo se le de alimentos y la oportunidad de entrenar. Aunque el organizador considera que el fútbol es sagrado y lo hace lo mejor para entrenar al equipo, que es la tentación de escapar junto con los otros, cuando encuentran una oportunidad. Son atrapados, pero el juego se lleva a cabo de todos modos. Ellos juegan con la esperanza de que pudieran obtener el perdón y no se los ejecute al final.
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